Vientos de México y China

El cocurador de Vientos de Fusang: México y China en el siglo XX, exposición que se montó en el Museo Mural Diego Rivera, Shengtian Zheng, vio en Shanghai Frente Nacional de Artes Plásticas de México: pintura y grabado, muestra colectiva que en 1956 llegó al país asiático para ejercer una “influencia tremenda” en su arte.

Cantante de ópera chino (1930), Miguel Covarrubias

“Tenía 18 años y me emocionó mucho ver la exhibición. Fue el comienzo de mi conocimiento del arte mexicano”, cuenta Zheng quien recordó que comprendió un mural de Diego Rivera, Gloriosa victoria, que posteriormente se perdió durante mucho tiempo hasta que fue descubierto hace 11 años en Moscú, en las bodegas del Museo Pushkin. Para Vientos de Fusang... fue posible reunir algunas de las obras que estuvieron en la exhibición de 1956, por ejemplo, de Arturo Estrada y Rina Lazo.

“Hay que entender que en los años 50 del siglo pasado China estaba casi cerrada al Occidente y a la mayoría de los países, de modo que los artistas jóvenes tenían poca oportunidad de ver arte de fuera. Resultó abrumador ver ese arte de clase mundial proveniente de México”, acotó el también artista.

Vientos de Fusang… fue organizada por el Museo del Asia Pacífico, en Pasadena, California, que en 2014 fue incorporado como parte de la infraestructura artística de la Universidad de California del Sur (USC, por sus siglas en inglés). Selma Holo, directora tanto del recinto como del Museo Fisher de Arte del plantel, dijo en su momento que la muestra viene a ser “la cumbre de una relación plena y de relevancia que he tenido con México durante años. Espero que la USC pueda continuar con nuestro vínculo durante años y años en el futuro”.

Mujer amamantando (ca. 1930)

La exposición de medio centenar de piezas, entre obra gráfica, pintura, dibujo, un mural, material audiovisual y documentación, se compone de tres núcleos temáticos: Círculo de Miguel Covarrubias en Shanghai, Contacto intensivo: arte y artistas de México, y Una influencia perdurable: el movimiento muralista en China.

Vientos de Fusang… es la historia de un diálogo cultural fascinante entre dos países. Es la historia de cómo el arte mexicano se introdujo en China hace casi 90 años, y cómo el movimiento muralístico influyó al arte contemporáneo chino, en particular.

Boceto de Yunnan Árboles voluptuosos

En el primer núcleo temático la figura principal es Miguel Covarrubias quien viajó a China en 1930 y 1933. En ese entonces el Chamaco era director de arte de la revista neoyorquina Vanity Fair, de modo que su trabajo era conocido. De su primer viaje a China se incluyen 10 bocetos. En realidad Covarrubias se dirigía a la isla de Bali, en Indonesia, para estudiar el arte folclórico. Como no había una forma directa de llegar, tuvo que tomar un barco a Shanghai, parar allí, luego seguir a China, Hong Kong y finalmente Indonesia. En Shanghai conoció a un grupo de jóvenes artistas, que ya admiraban su trabajo, sin embargo al conocerlo en persona quedaron impactados con su personalidad, su técnica y sus pensamientos ingeniosos acerca del arte. En la muestra se incluye la obra de dos artistas chinos que aprendieron de él.

El segundo apartado hace referencia a la mencionada exposición de 1956, sin embargo en 1951 una delegación mexicana viajó a China para la reunión Asia-Pacífico sobre la paz. Entre ellos estaba el pintor Xavier Guerrero. Fue el comienzo de un nuevo intercambio entre los muralistas mexicanos y los artistas chinos.

Vientos de Fusang (2017)

Zheng hace hincapié en otra gran exposición con obra de muchos museos mexicanos en 1972: “Para mi el arte mexicano se volvió un modelo para muchos artistas chinos. El muralismo chino también llegó a su mayoría de edad en los últimos 30 años, influenciado por el movimiento mexicano. El proyecto principal sucedió en China en 1979, después de la Revolución Cultural. El arte chino por fin cumplió su sueño de hacer murales al realizar un conjunto de estas obras en el Aeropuerto Internacional de Beijing.

Hoy las escuelas de arte de las universidades chinas cuentan con un departamento de muralismo, continúa el curador. Cada año cientos de estudiantes se gradúan de la escuela. Actualmente China cuenta con el número más grande de muralistas en su comunidad artística. Para hacer más comprensible la presente historia se pintó un mural en 2017 para la exposición en el que participó Zheng y otro artista en Beijing, apoyados en dos asistentes.

Vientos de Fusang: México y China en el siglo XX permaneció hasta el 27 de enero en el Museo Mural Diego Rivera, Balderas 202, colonia Centro.

La escultura de Jesús Mayagoitia en SLP

“El arte nació monumental y esencial. Ahí están los Menhines, las esculturas monolíticas de la pre historia de Europa”, ha dicho el escultor Jesús Mayagoitia (Ciudad de México, 1948), quien hizo una selección de 24 obras con el título Espacios modelados para el Museo Federico Silva Escultura Contemporánea (MFSEC), en la ciudad de San Luis Potosí. Hay trabajos tan tempranos como 1978, así como dos piezas nunca vistas Coyolxauhqui y Tlaltecutli (ambas de 2018), la mayoría hecha en acero, aunque hay un acrílico pintado.

Cascada

“La conceptualización de la escultura monumental integrada a la arquitectura, ha sido una consecuencia de mi deseo por relacionarme con el espacio de una manera total, a través de mi obra personal”. “Me expongo a través de la obra”, agrega.

Lluvia

"Formalmente mi obra se sustenta en la geometría. Cuando comencé a trabajar en la tercera dimensión comprendí que el espacio real tiene en la geometría su representación ideal” que, “además de permitirnos organizar el espacio, nos da la posibilidad de crear volúmenes razonados”.

Estrella

El estilo artístico que define la obra de Mayagoitia se inscribe, principalmente, en la abstracción geométrica, tendencia escultórica donde se puede ubicar la gran mayoría de su producción artística y donde ha conseguido sus mayores éxitos, expresa Enrique Villa, director del MFSEC.

Verano

Recuerda que el arquitecto y escultor Fernando González Gortázar en un texto leído con motivo de la presentación del libro que la Universidad Nacional Autónoma de México publicó sobre Mayagoitia comentó que “otra característica de mucha de la obra de la mejor escultura de todos los tiempos, es el dar tanta importancia a la presencia como a la ausencia, a la materia como al vacío, pero de nuevo,eso es llevado aquí al extremo. Con frecuencia, tengo la impresión de que el sólido es solo la excusa para poner en valor el hueco, y que solo existe en función a él. Es la aparente ‘nada’ lo que realmente importa”.

San Lucas

Para Villa muchas de las obras de Mayagoitia expresan efectos cinéticos en los que es fundamental la participación y el desplazamiento del espectador. El artista obliga a hacer un recorrido de 360° a su alrededor, pues le proporciona diversas vistas o posibilidades ópticas formadas por los intersticios y hendiduras que van dando forma en su escultura: “Sólo cuando giramos en torno a ella en cualquier sentido o de arriba hacia abajo, cuando hacemos un ‘barrido’ visual, logramos entender la pieza y las posibilidades de sus formas, de su espacio y de su luz”.

Tlaltecuitli

Al respecto Mayagotia apunta: “La presencia de la ilusión óptica, no sólo ha sido objeto de mi permanente preocupación, sino que me ha hecho considerar que en el espacio real los conceptos como el punto, la línea, el plano, el volumen, y el mismo espacio son ‘conceptos estables’, porque todo es susceptible de permitir sus dimensiones, dependiendo para ellos del desplazamiento o giro del espectador”.

Tikal

El expositor ha sido merecedor de múltiples premios y reconocimiento como el Premio Grand Prize Henry Moore del museo Utsukuchi-ga-hara de Japón (1987), y el premio de escultura en el XII concurso para estudiantes de Arte Joven en Aguascalientes en 1997.

La muestra permaneció hasta el 20 de enero en el MFSEC.

Tierra cruda de Mauricio Cervantes

Merry MacMasters. La principal consigna de las intervenciones escultóricas que comprende La tierra es cruda… y sin embargo se mueve, exposición de Mauricio Cervantes en el Centro Cultural Santo Domingo, en Oaxaca, es crear objetos artísticos de bajo impacto ambiental a partir del uso –entre otros-- de los subproductos de la destilación del maguey: el bagazo y las vinazas. Estos se mezclan con arcillas y arenas mediante sencillos procedimientos mecánicos como los aplicados para la producción de cob, adobes y otros materiales constructivos.

Todas las fotografías son de Mauricio Cerventes

Cervantes es un “ferviente promotor” de la multiplicación y diversificación de los públicos, de allí que las estrategias de Matria Jardín –sello que cobija sus proyectos artísticos abocados al medio ambiente-- tengan entre sus premisas “sacar el arte de los espacios canonizados que de manera natural los reciban, o de llevar a gremios o agrupaciones ajenos al mundo del arte a los espacios cuya vocación habitual se reduce a las más altas expresiones de la cultura”.

Por esa razón, Matria Jardín ha llevado las expresiones más refinadas de la producción artística, a huertos urbanos, cementerios o plantaciones agrícolas. En esta ocasión lleva a actores de la producción de derivados del agave al interior del Ex Convento de Santo Domingo.

El artista anota que en el último lustro han empezado a cobrar más auge, entre los productores de mezcal, las iniciativas preocupadas por la preservación de especies nativas de agaves, la conservación de los mantos hídricos, la restauración de paisajes o la conformación de bancos de germoplasma y semillas.

El juego de conceptos en el título de la muestra, que también incluye videos, alude a la posición que Galileo sostenía en contra de los dogmas instituidos por la iglesia, sobre el movimiento de la Tierra en relación al sol. Con una actitud cuasi dogmática la mercadotecnia ha conseguido que “al menos cuatro generaciones hayamos creído que la solución para satisfacer las necesidades de vivienda está en los materiales industrializados que dependen en gran medida de los hidrocarburos”, expresa Cervantes. Del mismo modo que los zares de la agroindustria “han querido convencernos del uso de semillas y polinizadores transgénicos como alternativa para darle de comer a los seres humanos”.

Para el expositor “las verdaderas respuestas para dar cobijo y sustento a los pasajeros que transitamos por el planeta están en el respeto a la tierra, al agua y a los procesos que contemplan un uso moderado de los recursos”. La opción para la construcción de vivienda está en “los procesos y materiales utilizados a lo largo de milenios como la arcilla, la arena y las fibras vegetales”.

Un tercio de la humanidad vive en casas hechas de tierra que son tan saludables para el medio ambiente como para sus usuarios. La tierra seca es un material inocuo, no tiene ninguna sustancia tóxica, siempre que provenga de un suelo que no haya padecido contaminación. Las arcillas y arenas usadas para las escultura de La tierra es cruda… se traen de las inmediaciones al taller de Cervantes y de bancos de Yanhuitlán, ubicados en el Geoparque de la Mixteca Alta.

El artista ha creado canoas de cob, una tonelada de adobes dispuestos como libros, paraguas, velas de navegación, relieves para piso o muro y proas como obelisco. Las estructuras de las esculturas son producidas por herreros oaxaqueños, además el metal es el único material producido y trabajado por medio de procesos industriales.

La tierra es cruda… y sin embargo se mueve permanece hasta el 13 de enero en el Centro Cultural Santo Domingo.

El MUAC, 10 años

Merry MacMasters. El Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) cumplió una década de vida el 26 de noviembre y anunció para 2019 una serie de proyectos ambiciosos, entre ellos, una exposición del artista y activista chino Ai Weiwei. Los festejos por el décimo aniversario durarán hasta noviembre del año entrante.

En rueda de prensa, Graciela de la Torre, directora de Artes Visuales de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), también informó de la compra de nuevas piezas “maestras” para la colección del museo, entre ellas, una urna hecha en cerámica de alta temperatura de Francisco Toledo (1940), relativo a la desaparición de los 43 normalistas en Ayotzinapa. Con esta adquisición se llena un hueco porque la colección del Muac carecía de obra del pintor juchiteco. También se compraron pinturas de Gunther Gerzso (1915-2000) y Gabriel Ramírez (1938), y una fotografía de Antonio Caballero (1940). 

Sin título 2 (2015), cerámica alta temperatura, de Francisco Toledo

Respecto a la exhibición de Weiwei, que será en abril entrante, De la Torre dijo que el controvertido artista “llegó y se enamoró de la UNAM como proyecto público”. Exhibirá en la Sala 9 --la más grande del recinto-- obra hecha específicamente para México. Por un lado, “traerá un templo de la Dinastía Ming, que se refiere a un pasado en China que desaparece con la Revolución Popular, mientras que la otra pieza estará hecha con “legos” y hablará de “problemáticas actuales del país”.

La historiadora del arte también anunció exposiciones de Jan Hendrix -una revisión de su trabajo como escultor, editor y grabador, que coincidirá con otra en su natal Holanda- , una muestra sobre performance y arte acción, y otra del colectivo español de dos mujeres, Cabello Carseller.

Boceto (1965), óleo sobre masonite, de Gunther Gerzso

De la Torre, que tuvo a su cargo la fundación del MUAC, dijo que éste empezó “un poco complicado” debido a la exposición controvertida de Miguel Ventura. Además, había “muchas dudas acerca de la pertinencia de crear un museo de arte contemporáneo”. A cabo de 10 años “tenemos un nicho, hemos encontrado un camino y hemos contribuido a la historia del arte, a la formación de públicos, la generación de conocimiento, también a la formación de comunidades, tanto la universitaria, como la extendida y la internacional, porque el MUAC juega un papel dentro de la comunidad mundial. Formamos parte del circuito de los grandes museos por nuestros proyectos y su impacto dentro de la sociedad”.

Continuó: “Aquí está la primera colección pública de arte contemporáneo. Nunca hubo un verdadero esfuerzo o interés, por parte del Estado de crear una colección de arte contemporáneo, en la medida que éste es contestatario, no es visual, legible como puede ser el arte moderno. La UNAM tomó el reto de hacer esta colección que da cuenta del arte actual desde la segunda década del siglo pasado hasta el momento presente”.

Energía concentrada (1969), óleo sobre tela, de Gabriel Ramírez

La funcionaria recordó que el MUAC no sólo es un lugar de exposiciones, a diferencia de otros museos, sino un lugar que genera conocimientos: “Tenemos la maestría en estudios curatoriales, así como múltiples seminarios de carácter curricular y no, con muchos alumnos. Además, tenemos programas de impacto social, por ejemplo, el MUAC en tu casa, con el que por primera vez hemos demostrado algo que todo el mundo pensaba era hipotético: que el conocimiento, la actividad y la apreciación artística cambiaban la vida de los individuos.

“Al cambiar la vida de los jóvenes incidimos sobre su familia y su comunidad con herramientas de carácter científico por medio de la Facultad de Psicología y la Escuela Nacional de Trabajo Social. Ya hay cinco generaciones de MUAC en tu casa. Ha incidido en los problemas de drogadicción y violencia. O sea, el papel del museo no sólo es de marquesina, sino también de contribuir al cambio de la sociedad”.

Las hermanas Jiménez (1965), plata sobre gelatina, de Antonio Caballero. Fotos cortesía del MUAC

Sobre los cambios por venir con el nuevo gobierno federal, la funcionaria manifestó su deseo de que “se den unos cambios positivos en el sistema de museos”. También hizo referencia a un documento sobre políticas culturales aplicadas en museos, redactado por el Muac y personas especializadas, que fue entregado a Sergio Mayer, presidente de la Comisión de Cultura en la Cámara de Diputados, a quien consideró, al igual que su equipo, como muy abierto el diálogo y dispuesto a escuchar.

El 16 de noviembre el Muac puso en marcha, entre otras acciones, dos proyectos relacionados con la cultura y el deporte que pretenden impactar y formar parte directa del futuro de 10 estudiantes universitarios y 10 niños. El espacio universitario otorgará incentivos, de mil pesos cada uno, a 10 alumnos distinguidos de la UNAM y membresías a 10 niños nacidos en noviembre de 2008.

A partir del 22 del mismo mes, y durante un año, los jueves y sábado de 18:00 a 20:00 horas, la entrada al museo será gratis.

Eduardo Vázquez Martín, comparecencia

El secretario de Cultura local, Eduardo Vázquez Martín, compareció el 31 de octubre ante la Comisión de Cultura del Congreso de la CDMX, como parte de la glosa del sexto informe de Gobierno. El funcionario advirtió que el suyo no era un informe de gestión estadística, sino de reflexión, “pensar en lo que hicimos, lo que salió bien, lo que no o no tan bien”.

A cargo de la secretaría desde 2014, Vázquez Martín abarcó una amplia gama de temas, como la redacción de la Constitución de la CDMX, aunque hizo hincapié en varios. Por ejemplo, la instalación del Consejo de Salvaguarda del Patrimonio Urbanístico Arquitectónico de la CDMX, después de 18 años de que haya salido la ley. Atribuyó el retraso a que “todas las instituciones han visto que hay un problema en su aplicación, ya que invade zonas que pertenecen a leyes de la Secretaría de Desarrollo Urbano y Vivienda”. Para el nuevo gobierno “meterse a la ley de salvaguarda es de cierta urgencia”.

Sobre la red de Fábricas de Artes y Oficios (Faros), la de Aragón –abierta este año-- fue la primera con una vocación, dedicada a la cultura audiovisual, en especial los oficios relacionados con el video y el cine. Sin embargo, no fue posible terminar las Faros que ocuparán el viejo Cine Cosmos (su vocación será el desarrollo de las artes circenses), aunque está el 60 por ciento de la obra, y la llamada Perulera, en la colonia Pensil.

Debido a los sismos de 2017, “se interrumpieron las licitaciones y ya no salimos”, justificó Vázquez Martín. En vista de que se trata de un inmueble de 1735, hubo que restaurarlo, obra que se piensa terminar en noviembre.

Los integrantes de la Comisión de Cultura interrogaron al funcionario sobre el informe que leyeron de antemano en una versión más larga. La diputada Leticia Estrada pidió los montos totales de recursos destinados a diferentes rubros durante el presente año. El diputado Virgilio Caballero tocó el tema de las declaratorias y el destino de la Casa Refugio Citlaltépetl.

El secretario de Cultura respondió: “La ciudad ha asumido, por fin, que tiene la responsabilidad en materia de patrimonio”. Mientras que “la transformación más profunda que ha experimentado la Casa Refugio Citlaltépetl en los últimos años ha sido salir de su vocación fundacional, superar y enriquecerla, al asumir la agenda de la crisis humanitaria del país”.

Gabriela Osorio, presidenta de la Comisión de Cultura, tocó el punto del tipo de desarrollo urbano realizado en la ciudad por el gobierno actual: “Es a todas luces claro el hecho que los planes de desarrollo urbano se han subordinado a los intereses de las grandes desarrolladoras inmobiliarias teniendo como consecuencia el menoscabo de nuestro patrimonio arquitectónico y cultural”. Señaló “una déficit en el apoyo a las producciones artísticas de la comunidad cultural”, al dar prioridad a la difusión y el fomento.

La diputada agregó que el informe “no señala en dónde se destinaron los recursos, una tarea que queda pendiente para el siguiente secretario de Cultura. Solicitaremos dichos datos en los próximos días”. Destacó que el presupuesto de la secretaría “nunca ha podido sobrepasar el umbral del .35 por ciento del presupuesto del gobierno local”. Vázquez Martín había explicado que al dispersar el gasto de cultura a principios del milenio en las entonces delegaciones, resultó difícil saber si en efecto se utilizó para ese fin. De allí que sugirió “una vertiente de gasto que diga cultura, que no está abajo del 1 por ciento del presupuesto”.

Cora Flores, Medalla Bellas Artes

Un fuerte aplauso recibió a la bailarina, coreógrafa, docente y ahora investigadora Cora Flores (San Luis Potosí, 1936) la noche del miércoles 24 de octubre al recibir la Medalla Bellas Artes de manos de Lidia Camacho, titular del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), por su trayectoria. Flores se dijo feliz al haberse dedicado tantos años a la danza a la que llegó siendo una niña de 14.

Cora Flores

Para Camacho la homenajeada es “un referente indispensable para las nuevas generaciones de profesionales en esta disciplina y en muchas otras”. La funcionaria recordó que Flores ha formado parte del INBA desde muy diversas trincheras, todas altamente reconocidas y apreciables: “Para mi es fundamental que sigas en la investigación” que a final de cuentas es “dar a luz aspectos que quizá no eran reconocidos o que con el paso de los años se fueron borrando”. Actualmente Flores es investigadora del Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información de la Danza José Limón (Cenidi-Danza) del INBA.

Marco Antonio Silva, Angélica Kleen, Lidia Camacho, Cora Flores, Elizabeth Cámara y Gabriela Dörries

“La tuya --continuó Camacho- ha sido una pasión infatigable por la danza, carrera desafiante, aunque de frutos exquisitos que permanecerán indelebles en la memoria colectiva de todos”.

Pidió hablar el nieto de Flores, Emilio, quien aseguró que “para mi es la mejor bailarina y abuelita que he conocido. Me ha enseñado mucho de cultura. Siempre me lleva a los teatros a ver la danza, escuchar los conciertos. Eso me lo preguntan en la escuela en los exámenes y ya sé gracias a mi abuelita”.

Cora Flores en sus diferentes facetas de bailarina

El acto se efectuó en la Sala Ponce del Palacio de Bellas Artes ante la presencia de entusiastas miembros de la comunidad dancística. Elizabeth Cámara, exdirectora del Cenidi-Danza, dijo que éste contactó a Flores con motivo de su 30 aniversario para invitarla a montar la coreografía Zapata, de Guillermo Arriaga, que ella bailó por primera vez en 1968. Fue entonces que Cámara se dio cuenta que “Cora conoce prácticamente a toda la gente de la danza en México. En ese sentido para el Cenidi-Danza es fundamental contar con su presencia porque Flores es un documento viviente que tenemos que conocer. Por medio de sus múltiples anécdotas y las posibles entrevistas que le hagamos será posible en gran medida hacer una reconstrucción de la danza en México”.

En la mesa moderada por Marco Antonio Silva, director artístico del Centro de Producción de la Danza, Angélica Kleen, asesora artística del Monterrey Internacional Ballet Gala, señaló que no se puede desligar el nombre de Cora Flores de la Universidad Nacional Autónoma de México, ya que es prácticamente la memoria viva de sus grupos artísticos: Taller Coreográfico de la UNAM y Danza Libre Universitaria. “Siempre le he visto como una guerrera frontal, decidida, inquieta, entregada y talentosa”, añadió.

También intervino la costaricense Gabriela Dörries, directora de Danza Abend, e hija de la coreógrafa Cristina Girirey, autora de La casa de Bernarda Alba, otra obra emblemática en el repertorio de Flores.

Entrevistada, la galardonada dijo que en el Cenidi-Danza se dedica a revisar fotografías y archivos, y aportar nombres de bailarines cuyas caras ya no resultan tan familiares.

Luis López Loza en la Galería Oscar Román

La sensualidad y lo orgánico son elementos subyacentes en la obra del pintor Luis López Loza (CDMX, 1939), Premio Nacional de Ciencias y Artes 2010 en la categoría de Bellas Artes, que se mueve entre lo abstracto y lo figurativo.

Luis López Loza

Con motivo de Las constelaciones de la forma, exposición que montó en la Galería Óscar Román, el también grabador y escultor habla del origen de su obra: “De muy joven leí mucho a Henry Miller, autor de los libros Sexus y Plexus. Después, leí al Marqués de Sade, Jean Genet, y cosas que tenían mucho que ver con la parte sexológica.

“En esa época México era un centro de homosexualidad impresionante, entonces, de tanto oír a las personas cómo se expresaban, eso iba transformando la imagen pictórica. Muchos pintores se organizaron en lo orgánico como Chucho Reyes. Juan Soriano tuvo una época totalmente orgánica. En escritura, Juan Vicente Melo. A partir de allí un cierto interés por la parte orgánica que se desarrolla con los años, las relaciones y los contactos. Van haciendo esta forma rara que siempre termina como en un blanco o algo del más allá o la satisfacción de existir solo como color. Quiero un cuadro que exista meramente por la pura satisfacción del rojo o azul o amarillo con blanco”. Respecto a la sensualidad, para López Loza “basta con ver una flor. No hay nada más sensual que eso”.

Gran parte de las 63 pinturas, esculturas y grabados incluidos en la exposición estaban en el estudio del artista en Valle de Bravo donde vive desde hace 30 años. El nombre de la muestra viene de una serie de mármoles que el entrevistado ha trabajado con “unos canteros excelentes que viven en un poblado de Puebla”. 

Deseo existencia, escultura en mármol y bronce

No cabe duda “si uno aprende a ver las estrellas, aprende muchas cosas del zodiaco y, sobre todo, a no perderse en la tierra, sino estar siempre bien centrado y saber muy bien donde está”. Así nació el interés de trabajar una serie en torno a las constelaciones: “Imagínese, de constelaciones nada más han descubierto alrededor de 800, es infinito. Voltear a ver el infinito es enriquecerse de todo”.

La exposición también comprende escultura tallada en madera, material que al entrevistado le fascina: “Donde vivo se puede conseguir muy buen fresno, piezas completas, sin embargo todas están atacadas por la polilla, que en Valle de Bravo es una amenaza. Tenemos unos 200 tipos de fresnos diferentes y todas están atacadas por la polilla. Uno trabaja una escultura, da un golpe, encuentra un hoyo y le sale una avispa, que es la polilla. Son enormes y atacan. Cambié del fresno a la parota, que es una madera roja, aunque tóxica. Si usted respira demasiado la parota lleva el peligro de obstruirse los sentidos nasales, también los ojos y la garganta. La trabajo con máscara y tomo muchas precauciones. Aun así preferí dejarla, de todos modos logramos seis u ocho esculturas”.

Si la exposición no comprende dibujo es porque ya no cupo en la galería. López Loza es un promotor del dibujo porque para él representa la base de toda la forma de pensar que pueda tener alguien. Incluso, es de la opinión que todo el mundo debe saber dibujar. Siente que en la actualidad los estudiantes de arte no se preocupan tanto por dibujar porque tienen la facilidad de la cámara fotográfica. Sin embargo, hace tiempo López Loza dio clases de dibujo en el Centro Nacional de las Artes y tuvo alumnos que dibujaban y eran “estupendos”.

Caisopia (la reina), escultura en mármol

La totalidad de la exposición Las constelaciones de la forma permanecerá hasta el 27 de octubre en la Galería Oscar Román, Julio Verne 14, colonia Polanco. Después, una selección de la obra se mostrará en el segundo nivel de la galería.